Week-end des galeries de Londres 2023

8 juin 2023 • Partager —

Malgré les grèves ferroviaires punitives qui continuent de frapper la population ouvrière de Londres, un cadeau d'expositions a ouvert ses portes dans les quartiers artistiques de la capitale pendant le London Gallery Weekend. Avec tant de choses à voir, Artlyst met en lumière des expositions dans trois domaines qui sont tous – relativement – ​​accessibles à pied.

PLACE DE CROMWELL

Nous avons commencé à Kensington à Cromwell Place, un concept unique pour les amateurs d'art, hôte d'une pléthore d'excellentes galeries sans espace permanent à Londres. Le premier artiste qui a attiré notre attention est José Cori de Casa AmaCord, une galerie spécialisée dans l'art latino-américain. Un élégant ensemble d'œuvres aux couleurs vives et méticuleusement dessinées de l'artiste chilien, intitulé The Wild Iris, a été tiré - à la fois figurativement et conceptuellement - d'un recueil de poèmes de Louise Gluck du même titre, publié en 1992. Les poèmes suivent le récit arc d'un an dans le jardin, engageant le lecteur dans une conversation avec la plantation et l'entretien et comment notre relation avec la nature - et l'acte de créer - peut accroître notre sens de l'émerveillement. Au lieu de mots, Cori utilise la couleur, la ligne et la forme, mais comme la poésie, il laisse un sens planant de l'inconnu dans ses images : un vide blanc entre les couleurs qui permet le glissement. L'esprit appréhende une dissolution comme si l'image s'effaçait. La voyant peut-être s'évanouir, on essaie d'en saisir l'essence comme on aborde la poésie et il en reste un souvenir tout aussi puissant. Un citron souligné d'outremer est surnaturellement éclairé par une lampe de table ; deux iris en fleurs émergent d'un sol de feuillage dense, obscurcissant une figure en retrait qui pourrait être le poète, l'artiste ou le jardinier. Comme l'explique le galeriste Adrien, "José pense que toutes les scènes de ses dessins renvoient d'une manière ou d'une autre à une émotion poétique, où les choses se dépassent, s'entrecroisent et se mêlent aux autres, donnant l'impression de ce qu'une définition instantanée parvient à puis se dissoudre ou se transformer en une autre image."

A l'étage de Tin Man Art, nous avons eu droit aux Mondes Hypothétiques de l'artiste française Marie Elisabeth Merlin. Ses œuvres glorieusement lumineuses mélangent l'observation avec une foule de personnages imaginaires qui pourraient être des archétypes universels - loups, singes, hiboux - capturant l'étrange dualité de la vie et la tension entre ce que nous voyons et ce qu'elle nous fait penser ou ressentir.

"Il y a souvent plusieurs histoires dans un même tableau… les ombres projetées sur le sol prennent une forme qui dans l'acte de peindre devient un personnage. Je m'intéresse aussi à la façon dont l'esprit suggère des images, comme les loups, et ce qui arrive aux fonctionnent lorsque nous insérons l'imaginaire dans une scène réelle." Il y a quelque chose de poétique dans ce processus, développant un récit entre les formes qui captive par son originalité et sa fraîcheur. Ses couleurs chantent avec une richesse gauguinoise, rehaussée de notes contemporaines de rose fluo et de jaune fluo. Ils sont puissamment féminins, chargés d'une énergie débridée plus vivement ressentie à travers la figure répétitive ou une meute de loups. Symbole de la féminité, de la famille, de la mentalité de meute et des instincts de survie, leur présence n'est pas menaçante mais plutôt audacieuse, comme si elle enrôlait le spectateur dans une révision de ce que nous jugeons dangereux dans la société, mais aussi dans notre propre psychisme. Pour cela, son travail est à la fois prémonitoire et stimulant ; Le travail de Merlin ne craint pas les dommages que nous avons infligés à la nature mais offre de l'espoir - l'avenir est quelque chose que nous pouvons réimaginer.

Visitez ici (https://www.tinmanart.com/)

RUE DE CORK/ MAYFAIR

Cork Street et les galeries environnantes de Mayfair (comme Dover Street) regorgent d'ouvertures, mais ce week-end, notre découverte la plus marquante a été l'artiste Tyga Helme à Messums London. In the Wings est un spectacle qui ouvre les pages délicates du processus d'un cahier d'artiste, offrant un aperçu rare du détail méticuleux d'une observation soutenue. Une partie de la joie de voir les œuvres à grande échelle de Helme, assemblées en grilles sur des pages qui représentent chacune un moment dans l'étude d'une haie, d'un bord ou d'un sous-bois, consiste à apprécier comment un esprit peut s'adapter aux changements et cycles subtils. de notre monde sensible à la lumière. Alors que nous essayons de comprendre comment chaque section s'intègre si harmonieusement dans la suivante, nous commençons à voir les modèles interconnectés comme une métaphore de l'acquisition de connaissances, qui nous emmène à travers les pages comme une vigne. "Les zones désordonnées sont les parties passionnantes", explique Tyga, qui vit dans les Wiltshire Downs, où elle recherche les coins incultes des champs ou les parcelles de bois à peindre. "Les choses surgissent vraiment en une journée et tout change constamment", dit-elle. « Les graminées et les ronces font place aux animaux ; une pousse est là un jour et a disparu le lendemain parce qu'un animal l'a mangée. Un champignon apparaît soudainement de nulle part. Tout est en relation avec tout le reste.

Lauréat du prix de la Fondation Machin à la Royal Drawing School, Tyga utilise la nature comme métaphore du sentiment d'être dépassé. Elle associe l'observation minutieuse du sol forestier grouillant - où le vert clair d'une feuille de ronce plane au-dessus du bleu froid des feuilles mortes - avec l'énergie compulsive de la croissance. "La réponse méditative de Helme aux micro-mondes attire discrètement l'attention sur les structures sous-jacentes de la nature et les écosystèmes dont nous dépendons tous", déclare le Dr Claudia Milburn, responsable de la programmation chez Messums London. Messums a une solide programmation de spectacles cette année, et nous attendons avec impatience la rétrospective historique de l'ouverture de Bridget McCrum dans le Wiltshire le mois prochain.

LES FITZROS

Si vous souhaitez faire une visite à pied de l'art, alors Eastcastle Street à Fitzrovia est l'endroit idéal pour commencer. Vous pouvez commencer par PM / AM et Pipeline Gallery, puis prendre Pilar Corrias et Omni, revenir à Edel Assanti et Gillian Jason Gallery sur Great Titchfield Street, avant d'aller sur TJ Boulting sur Riding House Street, puis FOLD, jusqu'à Brooke Bennington et se terminant à Tristan Hoare au 6 Fitzroy Square, pour n'en nommer que quelques-uns!

La galerie PM/AM présente actuellement des œuvres de l'artiste unique Chidinma Nnoli après sa résidence. Hôte d'un programme dynamique de résidences, la galerie se consacre à donner aux artistes qui n'ont pas accès à un studio vivant à Londres la chance de travailler dans ce quartier dynamique et de se connecter avec sa communauté florissante. Nnoli (né en 1998 à Enugu) vit et travaille à Lagos et a récemment présenté une exposition personnelle à guichets fermés à la Marianne Boesky Gallery et à The Armory Show NYC. Son travail figuratif est mystérieux, doux et nostalgique, comme s'il appartenait à un moment oublié. "Depuis 2020, mes œuvres font référence à mes poèmes écrits à la fin de l'adolescence. Avec des personnages posés comme des peintures de maître (mais pas visuellement contraints par une période spécifique), je m'intéresse à la création de peintures qui ressemblent à un souvenir flou mais vif…" dit Nnoli . Son travail est inclus dans la prochaine exposition collective de la galerie intitulée "What now?" aux côtés des artistes Dana James, Shanna Waddell, Cornelius Annor et Isshaq Ismail, ouverture du 8 juin au 7 juillet.

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Pipeline

Juste à côté se trouve la charmante Pipeline, une galerie conceptuelle dirigée par Tatiana Cheneviere qui fonctionne comme un espace divisé avec une zone d'exposition principale et une zone séparée et fermée. Dans ce dernier espace intime, elle présente chaque artiste avec une œuvre unique avant leur exposition. Cette première œuvre est choisie par l'artiste comme une sorte de clé ou d'ancre à sa pratique actuelle ou à ses futurs imaginés, initiant ainsi une conversation sur son exposition à venir. Il nous prépare élégamment sans gâcher la révélation du spectacle.

William Waterworth : ein tirOccupant tout l'espace de la galerie cette fois-ci se trouve l'exposition personnelle ein tir de William Waterworth, qui se traduit par « notre terre » en gallois. En cela, il fait la chronique de sa nouvelle série et identifie les œuvres pivots clés, renversant ainsi le concept de pipeline. Dans la salle du fond de la galerie, on retrouve la carte mentale de l'artiste composée de collage et d'écriture. Comme des images fixes de Withnail and I de Bruce Robinson, les images sont nostalgiques, les annotations brûlantes. Il comprend un pèlerinage à la maison de Julia Margaret Cameron sur l'île de Wight, l'histoire de Zissou et de la machine volante, et le voyage d'un charpentier dans les Alpes inspiré du roman de Thomas Mann "The Magic Mountain" (1924). Ces expéditions merveilleusement excentriques prennent vie grâce à une gamme de documents de référence d'artistes contributeurs, notamment des œuvres vidéo de Joel Kerr et des costumes conçus par Edie Ashley installés au rez-de-chaussée.

Pendant ce temps, dans la galerie principale, une sélection d'images fixes représente la gamme et l'élégance compositionnelle de la pratique de Waterworth. Son œil perçant pour ce moment décisif, sa capacité à utiliser la lumière et l'ombre pour la composition. Au premier plan de l'exposition, en retrait de la fenêtre comme une installation sculpturale, se trouve un livre unique fait à la main de 100 gravures inspirées du livre d'images 'Untouched' (2017) de Guy Bourdin et présenté sur un pupitre réalisé par Arthur Poujois. Le livre est la racine de l'exposition et un indicateur de l'utilisation de la photographie par Waterworth comme médium. J'ai hâte de voir ce qu'il fera ensuite et ce que Pipeline nous réserve. https://www.pipelinecontemporary.com/exhibitions-2-/current/

Edel Assanti

En ce qui concerne le monumental, Edel Assanti prend la tête de ce groupe de galeries. Je suis toujours enchanté par le travail de Noemi Goudal, dont la projection d'images en mouvement à grande échelle, les performances en suspension et l'installation cinétique « ANIMA » sont présentées à la Tate Modern du 12 au 14 juillet. Maintenant dans leur galerie se trouve NEOPLAN de Marcin Dudek, qui se déroule en même temps que son exposition personnelle au Kunsthal Extra City, Anvers, et le lancement de sa nouvelle monographie.

NEOPLAN poursuit la série des « boîtes à souvenirs » de Dudek, des installations nées d'espaces redondants, toujours emblématiques de la toxicité sexuelle et raciale latente associée à la construction de l'identité de groupe. Un bus de fans délabré d'Europe de l'Est est placé théâtralement dans la galerie comme s'il arrivait accidentellement d'une autre dimension. Sa face cachée a été retirée pour exposer un intérieur inspiré de la peinture surréaliste de l'artiste polonais Bronislaw Wojciech Linke, Autobus (1959-1961), débordant d'une multitude de spectres cauchemardesques et d'hybrides homme-objet. Le bus de Dudek suscite les émotions viscérales et compulsives associées à un voyage vers la confrontation le jour du match. Les sièges se métamorphosent en terrasses de stade ; le toit est cousu à la main à partir de fan merch d'occasion, comme un drapeau. Le cube blanc de la galerie renforce l'aveuglement associé à cette énergie, d'être tellement concentré sur la destination qu'on n'y est pas. Au sol de la galerie, plusieurs sièges servent de sites pour de petites œuvres cinématographiques, interagissant avec trois œuvres de collage murales. Schématique dans sa forme, chaque pièce plonge dans les biographies individuelles de plusieurs hooligans et voyous du football autoproclamés, mettant des visages sur les récits explorés. Ceux-ci sont composés d'éléments des vastes archives de la sous-culture de Dudek, collectés en tant qu'adolescent membre d'un fan club de football notoirement violent de Cracovie. Lors de l'ouverture de l'exposition, Dudek a effectué une intervention de grenade fumigène de trois minutes, excitant le public avec un moment de chaos organisé si central à l'expérience du football.

Brooke Benington

Comme le Pipeline, Brooke Benington est un espace de double présentation, où les artistes présentés dans les deux galeries sont sélectionnés en concert mais pas placés en conversation directe. Cela conduit à la découverte de relations improbables et suggère comment on pourrait favoriser cela dans les collections. Dans la pièce de devant se trouve une série de peintures intensément détaillées, fortement concentrées sur des éléments improbables, intitulée Quiétisme par Ana Milenkovic, d'origine serbe. À travers le médium lent et singulier de la peinture à l'huile, elle examine comment les personnalités publiques et culturelles qui nous représentent en tant que société sont mythifiées dans nos médias - qui sont finalement une source d'informations fracturées, souvent extrêmes ou antagonistes. Dans la salle voisine se trouve une exposition personnelle de l'artiste londonienne d'origine roumaine Catinca Malaimare, "Astropriest". Incorporant la performance, la sculpture, l'audio et le film, Malaimare explore notre relation intime avec les outils technologiques et le mépris des technologies obsolètes. Les composantes surréalistes et déconnectées de l'installation et de la performance jouent avec notre sens du temps et nous font questionner le concept de futuriste, qui habite si vite le passé. Cela s'appuie sur l'observation continue de l'artiste de nos cimetières mécaniques. Dans tout cela s'infiltre une bande sonore, comme un fantôme dans la machine. Un récit audio multicanal est diffusé à partir d'un ensemble de haut-parleurs dans lesquels l'astroprêtre interprète le chant d'une sirène - des gémissements déclenchés par une série de signaux acoustiques. Brillant, inquiétant et dérangeant, cet artiste sait que le goût de la peur est métallique.

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Tristan Hoare

'Paper' est actuellement présenté à Tristan Hoare, organisé avec Flora Hesketh et Omar Mazhar. Inspiré par la riche histoire du papier, inventé au premier siècle en Chine, le papier était autrefois une « nouvelle » technologie qui supplantait toutes les autres. Elle a facilité la préservation et la diffusion des connaissances ; ce matériau léger et peu coûteux est devenu indispensable, notre expérience en est commune. Une vaste gamme de papiers est fabriquée à partir d'une liste interminable de plantes et d'arbres, chacun avec son propre parfum, sa mélodie et sa texture. Il peut être manipulé de manière extraordinaire ; coupé, plié, brûlé, collé, assemblé, superposé, imprimé, peint, et souvent les artistes en sont fanatiques. Les techniques de l'exposition incluent le collage, le gaufrage, le pliage, le découpage, la gravure, le papier mâché et la pâte à papier colorée. Emilie Pugh pousse le papier à ses limites - étirant, puis brûlant sa surface pour créer des motifs d'espace négatif. L'artiste coréenne Minjung Kim brûle également ses œuvres ; les couches fuyantes de papier de mûrier Hanji semblent transmettre le processus de guérison mais aussi des effarouchements répétés. Un sens du spirituel se manifeste dans les formations d'Astha Butail – reflets de chansons sanskrites investies dans le papier. La série Endless Prayers d'YZ Kami forme des mandalas de papier découpé, parle de corps célestes et interroge notre place dans ce que nous ne pouvons pas entièrement connaître, et Parme Baratier fabrique son propre papier à partir des plantes qu'il fait pousser. C'est un beau spectacle pour compléter une journée entière de rencontres artistiques.

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Paroles de Nico Kos Earle © Artlyst juin 2023

Image principale : artiste Stewart Geddes, galeriste James Elwes, artiste Marie-Elisabeth Merlin et artiste Stanley Donwood à l'ouverture de Tin Man Art, Cromwell Place